PINTURA COLONIAL

 

UNIVERSIDAD FEMENINA DEL SAGRADO CORAZÓN 

Facultad de traducción e introducción y ciencias de la comunicación 

PINTURA COLONIAL  

Ciencias de la comunicación :

Arcaya Pérez, Fanny Cielo 

Huallpa León, María Celeste 

Quintana Ore, Abigail 

Sánchez Alarcón, Tatiana Esther 

Traducción e interpretación:

Martínez García, Abiel Daniela 

CURSO: 

Historia de la Cultura Peruana 

PROFESORA: 

María Elsa Pons Muzzo Díaz 

2022-II 

INDICE

INTRODUCCIÓN 

CAPITULO I: Escuela italiana

1.       Bernardo Bitti
2.       Mateo Pérez De Alessio 

3.       Angelino Medoro

 

CAPITULO II: La escuela flamenca

1. Jan Van Eyck 

2 . Pedro Pablo Rubens

CAPITULO III: Escuela española

1. Zurbarán y sus influencias en el virreinato del Perú.

 

CAPITULO IV: Escuela limeña y su aporte en la pintura colonial.

 

CAPITULOV: Escuela cusqueña

1. Diego Quispe Tito

2. Basílio De Santa Cruz Pumacallao

 

CAPITULO VI: Los Pintores Anónimos.

 

CAPITULO VII: Pintura mural cusqueña 

1. Tadeo Escalante.

 

CONCLUSIÓN 

REFERENCIAS 

INTRODUCCIÓN:

 L   La pintura Colonial Peruana se desarrollo durante los siglos XVI y XVIII, con la llegada de los españoles hasta nuestra independencia. Las artes plásticas entre ellas estaban; la escultura, el dibujo, la arquitectura, las cerámicas, la artesanía y la pintura en mural, que aparecen en nuestro país por la llegada del pintor español y capitán de milicias Diego de Mora en 1533 quien elabora el retrato de "Atahualpa"

La pintura colonial tuvo influencias española, italiana y flamenca que fueron traídos de España para la formación de talleres en las ciudades de América para enseñar a criollos, indios y mestizo. Durante esta época, también se desarrollo la pintura cuzqueña que tenía un enfoque religioso, debido a la influencia de la catequización. Además, las obras eran didácticas para la evangelización, donde predominaba la pintura al oleo sobre lienzo y se mantenían las técnicas y modelos europeos

CAPÍTULO I: Escuela italiana

1. Bernardo Bitti 

Bitti un pintor y escultor que nació en el año 1548, en Camerino, Italia, que es su ciudad de origen. A comparación de otros artistas que eran aprendices de algún pintor, Bitti se quedó viviendo con su familia hasta que tuvo 18 años, dos años antes de entrar en la Compañía de Jesús. La familia de Bitti pertenecía a la nobleza comercial siendo grandes comerciantes de telas, muy representativo en Italia durante los siglos XV y XVI, se podría decir que su familia estaba bien acomodada en la sociedad de la época.

También, la forma del trabajo influyo en la educación de Bitti, pues recibió una educación básica, debido a que era hijo de un comerciante, por eso su escritura no es tan desarrolla como de una persona que usaba la plumilla diariamente.

Luego, de que Bitti partiera a Roma en el siglo XVI, durante esa etapa la pintura está marcada por la figura de Miguel Ángel y de Rafael, y como él vivía en una ciudad donde aún trabajaban pintores de la vieja generación, pues recibió influencias de personajes como Giorgio Vasari o maestros más jóvenes como Federico Zuccaro, incluso El Greco.

Bernardo Bitti ingresa en 1568 al novicio jesuita en Roma, pero ese no era su verdadero nombre, él se llamaba Demócrito como el filósofo griego, un apelativo que a los jesuitas les podía molestar, debido a que era un personaje que iba en contra de los pensamientos religiosos de la congregación de esa época. Por ello, al momento de que Bitti firmar el registro de la congregación jesuita como Demócrito, su padre tacha su nombre y escribe encima el nombre de Bernardo.

A diferencia de otros pintores italianos que llegaron al Perú como Pérez de Alessio, quien vino solamente para hacerse famoso y tener más dinero. Bernardo fue enviado al Perú por la orden jesuita, por el Procurador General Everardo Mercuriano, debido a que necesitaban a un pintor que pudiera trabajar en el mismo lugar, ya que no era suficiente con solo mandar los lienzos y esculturas desde España. A parte, en esa época la Campaña de Jesús, no contaba con muchos pintores que trabajaran para ellos. Por eso, Bitti era la persona indicado para esa misión.

Además, por a verse formado como pintor entre la ciudad de Camerino y Roma, tenía conocimiento de las últimas noticias del Concilio de Trento. Para cualquier pintor realizar el viaje a través del océano era bastante complicado. Pues, la primera vez que partió de España su nave naufragó y con los demás jesuitas tuvo que regresar nuevamente a Sevilla. Después de algunos meses recién logro salir de Roma a los 25 años y llegó a Lima el 31 mayo 1575 a los 27 años. Logrado trabajar en el Perú por 35 años como pintor y tallista, en las iglesias y residencias jesuitas de Lima, Cusco, Huamanga (Ayacucho), Arequipa y Juli en Puno, y también en La Paz, Chuquisaca, actualmente conocida como Sucre y Potosí ambas ubicadas en Bolivia. Sin embargo, años más tarde, Bernardo Bitti fallece en Lima en el año 1610.

Cabe decir, que los cuadros de Bitti no tenían firma. Las únicas firmas que se conocen del pintor fueron durante los primeros años de su formación como novicio y hermano Jesuita en Roma. La cual se muestra a continuación:

OBRAS

Actualmente las pinturas de Bitti se conservan en los retablos de las iglesias jesuitas de Lima, Arequipa y Juli, en la catedral de Cusco, como también en los museos de la catedral y de Santa Clara de Sucre

Asimismo, sus lienzos se caracterizan por la ausencia de temas violentos, excepto el "Cristo con la Cruz" que pertenecen a una colección particular del Cuzco y las pinturas murales de la Capilla de la Cofradía del Nombre de Jesús, en la Iglesia de la Compañía del Cuzco, con temas de las "Postrimerías".

Sus demás producciones se centran en los temas característicos de la pintura religiosa renacentista y manierista como "Coronación de la Virgen", "Virgen con el Niño", "Anunciación", la "Virgen y San Ildefonso", "Adoración de los Pastores", "Circuncisión".

La coronación de la Virgen”, obra de Bitti ubicada en la sacristía de la Iglesia de San Pedro, en Lima

Bernardo Bitti, creador de “La virgen y el niño”. (FOTO: Museo de Osma)

“La Aparición del Cristo Resucitado a su Madre”, cuadro de Bitti en la iglesia del pueblo de Rondocan, en el distrito de Acomayo. (Foto de Raúl Montero)

En general Bitti se ha interpretado diversas obras de santos, entre ellas están: "San Juan Evangelista", "Santiago", "San José", "Santa Bárbara" y "Santa Catalina". Pero, para identificar el estilo y los detalles de la pintura que tenía Bernardo se tiene que observar la forma de las orejas de sus personajes y los drapeas de sus vestiduras, también se debe tener en cuenta el manierismo (era un estilo artístico y literario del Renacimiento tardío, que se caracterizaba por su refinamiento y artificiosidad) que utilizaba en sus pinturas.

“La oración en el huerto”, óleo de Bernardo Bitti

2.2 Mateo Pérez De Alessio

Mateo Pérez de Alessio nació en 1547 en la ciudad de Roma, Italia, y es uno de los pintores más influentes que vino al Perú durante la última parte del siglo XVI y del inicio del siglo XVII.

Mateo se destacan por el retrato y la pintura en los que interpreto temas religiosos e históricos, además el utilizaba técnicas a fresco y óleo encima de la tela. Su estilo se representó en figuras el contramanierismo (Estilo artístico que va en contra del manierismo y de su artificiosidad) y también tuvo influencias por el estilo miguelangelesco tardío por Francesco Salviati.

Alessio se formó en la ciudad de Roma, pero tiempo más tarde ingreso a la Academia de San Lucas en el año 1573, en la que consolido su carrera artística hasta los 25 años de edad.

La Academia San Lucas, en Roma fundada por Federico Zuccari, donde Mateo Pérez de Alessio ingreso y adquirió influencias de su estilo artístico.

Después de un año, realiza su primera participación artística en la Capilla Sixtina, elaborando un fresco “Defensa del cuerpo de Moisés”. A partir de los años 1575 y 1576, el artista sigue realizando obras en fresco, entre ellas están “La villa de Mondragoney”, que se encuentra en el Oratorio del Gonfalone, dicha pintura fue la contribución y salida dramática de Alessio, pues en un ataque de ira destruye el mural, y decide abandonar la ciudad de Roma. Llegando al reino de Nápoles, se establece en la Isla de Malta en 1576, quedándose allí trabajando durante 7 años, decorando el palacio de la Valetta, donde aceptó por la orden de los caballeros de Malta, decorar la “Sala de Embajadores”, dejando a tras el miguelangelismo en sus pinturas para recién acoger el estilo contramanierista, que en esa época era la mejor forma representar el arte religioso-militar de San Juan.

A partir del año 1581, tras perder la protección de la orden de Malta, regresa nuevamente a Roma, pero sin mayor reconocimiento. Su cercana amistad con los Jesuitas le permitirá pintar el ultimo "arte sacro" bajo influencias de Rafael Sanzio, que posteriormente se trasladará a España en 1583, pero llegando a la ciudad de Sevilla, contrae amistad con Francisco Pacheco, quien le encarga que pinte un mural sobre “San Cristóbal” en la catedral hispalense.

San Cristóbal, Catedral de Sevilla en 1584 por Mateo Pérez de Alessio

Para el año 1584 hasta 1588, siguiendo su estadía por las tierras españolas pinta un “Santiago en la batalla de Clavijo” para la Iglesia dedicada al Santo y otra imagen de “San Cristóbal” para la Iglesia de San Miguel, hoy en día desaparecida.

Para el año 1589, emprende su aventura hacia américa junto con su aprendiz Pedro Pablo Morón, llegando a Lima en el año 1590, como miembro del séquito del virrey Don García Hurtado de Mendoza, a quien retrato y por el cual se hacía llamar "pintor de cámara de Su Señoría". Se podría decir, que fue su primera obra limeña, actualmente perdida.

A partir 1610, Alessio era considerado uno de los pintores influyente de Lima, trabajando como renacentista para la corte virreinal e incluso llegar a elaborar obras para instituciones religiosas como la Iglesia de San Agustín, de Santo Domingo y la Catedral de Lima.

Pero hoy en día, sus piezas artísticas se encuentran en mal estado, pues han sufrido de repintes, por lo que no se logra apreciar muy bien el acabado. Los lienzos y las puertas del órgano que había pintado para la Catedral de Lima, se encuentran bastante maltrato.

Algunas obras de Alessio se conservan en Santo Domingo, como la de "San Jerónimo" en la capilla Aliaga como homenaje a su santo homónimo. También, ha sido muy criticada la elaboración de 36 cuadros que había hecho el pintor para la decoración del claustro principal de la Iglesia de Santo Domingo.

Asimismo, una obra representativa y destacada por el artista es la " La virgen de la leche", de la que se conservan muchas copias que prueban su éxito durante la época del arte colonial. Dicho lienzo está elaborado en óleo encima de una lámina de cobre, que al reverso se observa la firma del pintor.

La virgen de la leche, obra de Alessio que decora la Iglesia de San Agustín

A partir de los años 1593 y 1594, Alessio estuvo por Arequipa, donde realizó el retablo mayor para el templo de la Iglesia Santo Domingo. En el año 1598, contrae matrimonio a sus 51 años de edad con María Fuentes de la Cadena con la que tuvo varios hijos. Después de 8 años, en 1606 a pedido de Juan de Vega, pinta siete cuadros para Iglesia de la Merced en Huánuco. Para el año 1616, Mateo Pérez de Alesio falleció.

Entre sus discípulos estaban Pedro Pablo Morón, su hijo Adrián, Francisco Bejarano, y otro artista como Juan Bautista Planeta, Antonio Dovela, Antonio Bermejo y Leonardo Jaramillo. Cabe mencionar que la Alesio utilizaba varios nombres artísticos para firmar sus obras como Matteo de Leccio, de Lecce, d’ Aletsi, d’ Alecci.

3.3 ANGELINO MEDORO

Angelino Medoro nació en Roma en el año 1567 supuestamente, debido a que se han encontrado cuadros de su autoría con el apelativo «ROMANUS» que indican su formación romana. Como a otros artistas del siglo XVI, Medoro también le ha interesado por conocer tierras extranjeras y viajo a España a los 19 años de edad, pasando por Sevilla llegando hacia las Indias en 1586, represento en un cuadro “La Flagelación de Cristo”, firmada y fechada por el pintor el mismo año. A principios del año 1587, llegando a Colombia, se instala en las ciudades de Tunja y Santa Fe, donde trabaja como pintor hasta 1592.

Descendimiento de la cruz (1592), Catedral de Tunja

Durante ese año, se va a Quito por motivo de dos encargos que tenía pendientes entregar al Convento Santo Domingo y a la Iglesia de la Concepción. Poco a poco, las obras artísticas de Medoro se van despojando del estilo Romanista, para introducirse en el arte colonial, basándose en el estilo manierista con rasgos muy marcados de sensualismo, que estaba muy moda en américa en ese entonces.

Virgen con el Niño (1601), ubicada en el museo de Arte Colonial, Bogotá

Para el año 1599, llega a Lima para trabajar para los Padres Mercedarios, dejando allí muchas de sus importantes obras, donde también fue reclutado en 1601, por el Convento de los Descalzos del Rímac para realizar "La virgen de los ángeles", y en 1603, seria contratado por la Orden de los Franciscanos.

Virgen de los ángeles (1601), convento de los Descalzos del Rímac, Lima

Durante esos años, la Catedral de Lima, le ofrece trabajo como pintor, y su taller va creciendo por la participación de discípulos que adoptan su estilo de pintura, entre ellos dos pintores indígenas cuzqueños como Pedro Loayza y Luis de Riaño.

Tras el fallecimiento de Bernardo Bitti, en 1610, queda como uno de los pintores más destacados en Lima, junto a Pérez de Alessio. Cabe mencionar que fue amigo de Santa Rosa de Lima y fue el primero en retratarla antes de que falleciera en 1617.

Retrato de Santa Rosa de Lima hecha por Angelino Medoro, el día de su muerte en 1617, ubicada en la Basílica Santuario de Santa Rosa, en Lima 

Durante el mismo año 1610, Medoro es contratado por el convento de San Agustín, para quienes trabajó durante los años 1616 y 1618, dejando allí muchas de sus importantes obras entre ellas "Inmaculada concepción”, “La crucifixión” y “Un Cristo meditando”. Desde de ese tiempo, no se tiene más información sobre la estadía de Angelino en Lima.

Se sabe de su permanencia en Bolivia, debido a que se encuentran dos pinturas firmadas por el artista en las ciudades de Potosí y Yotala.

Acerca del manierismo, estilo artístico que el pintor utilizo para representar sus cuadros, ya no se encontraban en Sudamérica. Algunos historiadores como Martin Sebastián Soria manifiestan que “Medoro se estreso artísticamente de las tierras americanas, y eso explica su regreso a Europa”.

Efectivamente, se registra el 22 de marzo de 1624, la presencia de Medoro en España, gracias a un documento donde figura su firma por a ver tomado como aprendiz para su taller a Juan de Mesa, durante 5 años.

Para el año 1627, Medoro es obligado a sus sesenta años de edad a examinar sus pinturas para obtener su título de maestría como a cualquier oficial, bajo la mirada del tribunal examinador que estaba conformado por pintores y maestros muy destacados en España, como Lucas de Esquivel, Lázaro de Pantoja, Francisco Varela y el joven Alonso Cano.

El 27 de diciembre de 1633, fallece Angelino Medoro a sus 66 años, de acuerdo a los libros funerarios de la parroquia de San Vicente de Sevilla.

Medoro, es considerado un pintor humilde por su poca producción artística, debido a que su colección cuenta con treinta obras mezcladas entre pinturas y dibujos. Algunas se encuentran en Quito, Tunja, Santa Fe, Bogotá y Lima. Pero también, otros de sus lienzos son hallados en Cali, Sucre, Potosí, Chuquisaca y Santiago de Chile.

CAPITULO II

ESCUELA FLAMENCA

La escuela flamenca o escuela de pintura flamenca es una representación de las pinturas realizada entre los siglos XV al XII en Flandes Brujas, Brusela y Gante (Bélgica, Luxemburgo y países bajos).

era muy reconocidas por su realismo paisajismo y arquitectura. Estos se dieron a finales del estilo gótico, tomando en cuenta estos mismos, gótico, renacentista, y barroco.

La escuela flamenca se caracteriza por:

• El uso de pinturas en oleo; la pintura en oleo se puede realizar en metal, marfil, lienzos y tablas, sin embargo  estos dos últimos son más las usados. 
• La pintura en oleo consiste en mezclar el pigmento con aglutinantes a base de aceite vegetal de linaza, tarda más en secarse lo que facilita la corrección y la mezcla de otros colores.
• Pinturas realistas y naturalistas sobre temas religiosos y retratos de burgueses.
• Su clientela eran los burgueses (los cuadros era símbolo de estatus y riqueza) 
• Se aprecia una referencia a la naturaleza ya que se inspiran en el paisaje.
• Pinturas que se realizan lento, son muy minuciosos y detallistas. 

 Temáticas:

• Las temáticas son religiosas, simbólicas de relatos con recreaciones de escenas bíblicos.

• Retratos de burgueses y su familia.

• Preferencias por cuadros pequeños ya que iban en casa. 

 Técnicas:

• Se utilizaba técnica mixta en óleo que consistía en una primera capa al temple el cual define los dibujos, los detalles de color y la luz de la pintura luego pasaba al óleo.

• El material mas usado era la tabla.

• Las creaciones en miniatura eran muy demandadas por los burgueses.

Representantes:

JAN VAN EYCK (1390-1441)

Jan Van Eyck considerado precursor de la escuela flamenca en los primeros años, fue un pintor flamenco famoso por su pintura en óleo, reconocido por hacer pinturas coloridas y prestar atención minuciosa a los detalles, además de su naturalismo en las pinturas. Se podría decir que influyo en artistas o jóvenes artistas italianos a la mitad del siglo XV.

Nació en Maaseik actualmente en Bélgica, aproximadamente en 1930 tuvo un hermano mayor Humberto Van Eyck, con quien realizo algunas obras.

El gusto por el arte de Van Eyck comenzó cuando inicio al trabajar para el obispo  de Lieja. No obstante, en sus inicios ninguna de sus obras se le puede atribuir con certeza, pero se le puede relacionar por el estilo que resalta.

Fue unos de los primeros artistas que llego a dominar la pintura del óleo ya que esta le permite tener sutileza y tonalidad adecuada. Se caracteriza por usar pinceles finos, ser naturalista y minucioso en los pequeños detalles de cada pintura además de usar colores vivos.

Su primera mención artística fue encontrada en 1424 en el registro del gremio de artistas de Gante, fue designado como “pintor de la corte y ayuda de la cámara” al sirviendo a Juan III de Baviera (1373-1424) que era duque de Baviera y conde de Holanda y príncipe de Lieja, encargándose de decorar el palacio de Binnenhof, cerca de La Haya.

 Tiempo después en 1425 se traslada a la corte de Borgoña, Francia de Felipe III “el bueno” que era tercer duque de Borgoña (1419-1467) donde tenía un salario fijo, en los registros quedo constancia de viajes largos que hizo cuando su empleador lo envió a Portugal en 1428, para pintar a la futura esposa del duque de borgoña, la infanta Isabel, hija del rey Juan I de Portugal, el cual se casaron en 1430 en Brujas. Estos viajes con una vocación diplomática le dieron a Van Eyck la oportunidad de observar otras formas de pintar, pero también le permiten difundir su arte y sus técnicas.

En su regreso a Brujas en 1432, se instaló en la ciudad y se caso con una joven llamada Margarita, si bien no se sabe mucha información personal del artista sobre su vida privada, “Ciriaco Ancona lo califico como el decano de los pintores, insignia de nuestra época, en su obra, los comentarios” (1391-1455).

Se sabe que brujas era una ciudad de comercio concurrido y los comerciantes ricos solicitaban pinturas de retratos al artista. Entre ellos El hombre del turbante 1430 que se encuentra en el National Gallery de Londres, La Virgen el canciller Rolín 1435, Museo de Louvre, Y el retrato de la Virgen del canónigo de Van Der Paele 1436, que se conserva Groeningemuseum en brujas.

Murió en 1441, fue enterrado en la Iglesia de san Donancio, Brujas, fue un artista muy reconocido en vida y hasta el momento de hoy muchos son admiradores, biógrafos y artistas se tiene al artista como una inspiración.

Obras  

Políptico de Gante o la adoración al cordero místico.

Políptico de Gante La adoración al cordero místico, 1420-1432, óleo sobre madera, 350 x 461 cm abierto y 350x223 cm cerrado, Gante, catedral de San Bavón.

           Políptico cerrado

Obra que presenta fecha de cuando fue terminada 1432, fue pedida por Joos Vijd, quien es el que aparecen en la en la parte exterior cuando el políptico está cerrado,  el encargado de los registros en iglesia San Juan que en la actualidad es la catedral de San Bavón de Gante.

En la pintura se puede apreciar a escenas iconográficas de la salvación, que se reúnen que se reunión para venerar al cordero de Dios, en el cual aparecen Adán y Eva junto a ellos los ángeles músicos y en el centro esta el tribunal divino, que son la Virgen María y San Juan bautista, el cordero en el altar está representando el sacrificio de Jesús por los pecados.

                   El Hombre del turbante rojo

EL hombre del turbante rojo ,1433, óleo sobre madera, 25,5 x 19cm, Londres, galería Nacional.

Cuadro en el que se presenta a un hombre de mediana edad que mira de forma penetrante al autor, el hombre lleva un turbante rojo y ropaje y fondo oscuros.
En el marco se puede apreciar unas pinturas aparecen “JOHES DE EYCK ME FECIT ANO MCCCC33 ,21, ACTOBRIS, que significa Jan Van Eyck me hizo el 21 de octubre 1433”, en la parte superior ALC IXH XAN “hago lo que puedo”.

MATRIMONIO DE ARNOLFINI

 

Matrimonio Arnolfini,óleo sobre madera, 82x60 cm, Londres, galería Nacional

En el cuadro está presente Giovani Arnolfini y su esposa, quien es el patrocinador, él era un mercader rico de Italia que tenía negociaciones en brujas.

Los retratados están posando en una habitación lujosa con objetos y ropa lujosos, donde demuestran su estatus social, según el historiador del arte Erwin Panofsky (1892-1968) que le otorga su reconocimiento a la iconología, que ve aquí un matrimonio secreto del que Van Eyck era seria pintor y testigo.

En el cuadro las cosas secundarias representan algo importante, como la mano de la mujer cerca al vientre que es una promesa de fertilidad, el perro representa la fidelidad, las naranjas y las muebles demuestran mucho poder económico, sin embargo, la pieza más importante es el espejo el cual amplia el panorama, al traer el exterior dentro del cuadro visualizando a los testigos del matrimonio.

Esta obra refleja las técnicas y estilos innovadores de la primitiva escuela flamenca donde se deja ver la minuciosidad en los detalles, que sea fiel a la realidad solo es posible gracias a la pintura del óleo, también, el pintor hizo uso de la luz para resaltar a los personajes y estén mejor moldeados y el interior de la habitación mejor iluminada. La firma del autor se encuentra en el centro de las pinturas encima del espejo que dice: Jan Van Eyck, estuvo aquí.

PEDRO PABLO RUBENS (1577-1640) XVII

Pintor famoso de la escuela flamenca, en sus pinturas enfatiza el color, la sensualidad, mitologías, representaciones religiosas y paisajes. Sus influencias fueron tanto maestros italianos como maestros flamencos.

Nació el 28 de junio de 1577 en Siege Westfalia, Alemania, sus primeras instrucciones se la dio su padre Jan Rubens, su padre fallece y regreso a Amberes con su madre y su hermano, En su niñes ingreso a la escuela del latinista Rombout Verdonk, en la que recibió clases de retórica y gramática en latín y griego, estudio junto a su hermano Felipe, recibiendo formación humanista.

Cuando tenía catorce años fue aprendiz en el taller de Tobías Verhaecht, pintor especialista en pintura paisajista, ya tenía raíces y gusto por la pintura. Si embargo su maestro principal fue Otto Van Veen, pintor educado en ideales clásicos de la pintura, que había vivido varios años en Roma y trabajo como pintor de la corte de Bruselas para gobernantes de los Países Bajos españoles, Rubens trabajo un año con él y su trayectoria le sirvió de experiencia, cuando tenía 21 años aprueba el examen de maestro en el gremio de pintores y viaja a Italia,  tiempo después fue contratado por Vicenzo I de Gonzaga, duque de Mantua, como pintor de la corte, donde realizaba misiones diplomáticas y tenía buen sueldo, en el cual dedico 8 años de su vida a estudiar el arte antigua y también a los maestros renacentistas como Rafael, Miguel Ángel , Tiziano y Leonardo Da Vinci  que reconoce como maestros de la representación anatomía.

En 1603 realiza un viaje a España por que el duque de Mantua para encabezar una embajada a la corte del rey Felipe III en Valladolid, en el cual realiza el retrato ecuestre del duque de Lerma, sus pinturas contribuyeron en la decoración de las iglesias y casas de burgueses.

Retrato ecuestre del Duque de Lerma, 1603, Museo del Prado, Madrid.

A finales de 1608 regresa a Amberes por que le informan que su madre está enferma pero su intención era regresar a Italia sin embargo las oportunidades que se le presento hizo que residiera en Amberes hasta sus últimos días, recibe por parte de los archiduques Alberto de Austria e Isabel Clara Eugenia el nombramiento de pintor de corte de Bruselas, pero puede permanecer en Amberes. Se casa con Isabella Brant, que pertenece a la alta burguesía.

Autorretrato con su esposa ,1609-1610, Alte Pinakothek, Munich, Alemania. 

En 1609 con la tregua entre la monarquía española y las Provincias Unidas del Norte “ la tregua de los doce años ” en el cual Rubens contribuyo en la con sus pinturas a la decoración de las iglesias , la ciudad de ámbares le encarga un cuadro para la decoración del lugar donde firma la tregua.

Pinturas que muestran esa conjugación del arte flamenco, italiana renacentista y del primer barroco, se volvió tan importante que convirtió su estudio en el más importante de la ciudad, donde Van Dyck fue su discípulo.

Entre 1616 y 1620 Rubens realiza cuadros en colaboración con otros artistas, como Frans Snyders en las pinturas filopomenes descubierto y Prometeo ubicados en el museo del Prado y Philadelphia museum of art. Además, recibió un encargo de pintar 39 cuadros para la iglesia de los Jesuitas de Amberes, que 1718 se destruyó.

Enviudo en 1626 y se dedico a la diplomacia, donde es enviado por la infanta Isabel Clara Eugenia que tambien había enviudado a diseñar 20 tapices para el convento de las Descalzas Reales de Madrid, también decoro la capilla de la iglesia de Bruselas (San Jacobo de Cauderberg.)

Es enviado por negociaciones diplomáticas en el trato de paz entre España y Países Bajos, en 1628 Felipe IV llama al pintor a madrid para ver como avanzaba las negociaciones, en su estadía en Madrid realiza 40 cuadros entre ellos copias que hace de los cuadros de Tiziano y el retrato ecuestre de Felipe IV.

Se trasladó a Londres en 1630 para contribuir con las negociaciones de la paz donde recibe el encargo de decorar perdón Banqueting House, Palacio de whitenhall y para el rey Carlos I realizo la alegoría de la paz (National gallery, Londres.)

Entre 1630 y 1640 se vuelve a casar con helena fourment, joven de 16 años que era su fuente de inspiración, pintó retratos de ella cómo Helena Fourment sentada en la terraza (1630-1631, Alte Pinaakathek , Munich) , es  de ella que obtiene la inspiración para definir la figura femenina. Como el juicio final de París encargada por Felipe IV, quien en 1638 le solicita pintar cuadros mitológicos para el alcázar.

En los últimos años de su vida dedica más esfuerzo a las pinturas de paisajes como el paisaje con arco iris, paisaje con Het Steen , juicio de parís,entre otros.

Murió en 1640 y en su estudio se encontraron numerosos cuadros y bocetos como las tres gracias

Las tres gracias

Pinturas

Paisaje Het Steen

El juicio de Paris

CAPITULO III: LA ESCUELA ESPAÑOLA 

La influencia española obtuvo más fuerza durante la época del barroco de los siglos XVII y XVIII especialmente a través de la escuela sevillana, donde obtuvo creaciones de piezas colorido, realistas y piezas religiosas 

La escuela sevillana: 

En el siglo XVII la escuela sevillana alcanza su mayor esplendor, por la calidad de las obras y por muchos de sus artistas. Donde estos artistas como los Velásquez, Murillo, Zurbarán, Herrera, Valdés Leales y otros dieron a conocer sus artísticas creaciones  

FRANCISCO DE HERRERA EL VIEJO. 

Este artista es representante en la evolución de la pintura desarrollada en la escuela sevillana recibió encargos importantes y fue requerido afuera de la ciudad, practicaba óleo sobre lienzo y además cultivo pintura al fresco. 

San Buenaventura recibe el hábito de San Francisco 1628. Óleo sobre lienzo

La Apoteosis de San Hermenegildo, por Herrera el Viejo (c. 1620 – 1624). Museo de Bellas Artes de Sevilla.

BARTOLOME ESTEBAN MURILLO. 

Nació en 1617 o 1618 y falleció en la misma ciudad en 1682 consagro su vida cultivando el arte religioso, pero no dejo de explorar otros géneros. Pinto imágenes de niños, por lo que se hizo conocido y obtuvo fama en Inglaterra y Francia fundo la Real academia de bellas artes de santa Isabel de Hungría en Sevilla con Francisco herrera el joven y otros artistas. 

OBRAS REPRESENTATIVAS:  

Niños comiendo uvas y melón       

Sagrada Familia del pajarito

Inmaculada de El Escorial

DIEGO VELASQUEZ. 

Nació en 1599 y falleció en 1660 su estilo paso por varias fases en los primeros años de artista fue un gran exponente del naturalismo tenebrismo, Velásquez consolido un estilo propio, concebía la pin tura más como conocimiento que como arte manual. 

Fue aprendiz del Francisco de Herrera el Viejo y Francisco Pacheco, considerado uno de los exponentes más importantes y máximos de la pintura española y de la de la pintura universal.

OBRAS REPRESENTATIVAS:

Vieja friendo huevos

El triunfo de Braco.     

El príncipe Baltasar Carlos a caballo.     

FRANCISCO DE ZURBURAN. 

Nació en 1598 y falleció en 1664 pintor se dedicó al género a la pintura religiosa donde demostró no solo su dominio técnico, sino una seria aproximación a los valores espirituales católicos. 

Zurbarán pasó por varias etapas en su estilo. obtuvo la influencia del tenebrismo, pero siempre optó por composiciones más austeras y serenas, cargadas de gran realismo. Luego su estilo fue adquiriendo mayor luminosidad. 

Es identificado con la pasión devota. En 1628 se establece en Sevilla donde pinta muchísimas obras; una de ellas la más famosas son sus grandes ciclos religiosos para los conventos.

OBRAS MAS REPRESENTATIVAS:

cristo en la cruz  

  Virgen niña rezando

La casa de Nazareth  

La influencia española empieza terminando el siglo XVI cuando la pintura manierista abre el paso hacia un arte más naturalista y a un estilo nuevo como Barroco. 

La época del Barroco en España el estilo es tenebrista y claroscuro sus antecedentes lo encontramos con el Greco (prebarroco) y adquiere un papel importante dentro de las manifestaciones artísticas fue alentada por monarquías europeas, la pintura barroca exaltaba el efectismo, el dinamismo y conceptos complejos. 

El barroco fue y es la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos como Perú.  

Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. 

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA BARROCO: 

Cada país desarrollo a su manera las características conforme a los intereses políticos y sociales 

La pintura barroca se expresó en grandes corrientes como el clasicismo y el tenebrismo  

TENEBRISMO:

• Dramático entre luces y sombras  
• La atmósfera es oscura  
• Luz intensa en función del simbolismo de la escena 
• Le gusta representar el naturalismo  
• Técnica pictórica: pinceladas gruesas o inacabadas  
• EXPONENTE: CARAVAGGIO

CLASICISMO:  

• + Estilo idealizado, representa el deber ser de las cosas  

• + Iluminación clara y uniforme   

• + Idealiza las escenas y no representa lo grotescos o desagradables aspectos  

• + Usa un tratamiento delicado y delimitado  

• + Una paleta de colores diversa y luminosa  

• + EXPONENTE: ANNIBALE CARRACI 

  
  
  

• El color es de gran importa en la pintura barroco, tiene un valor dominante ya que a través de los colores transmite efectos, sensaciones y conceptos de diversa índole, el barroco temprano predomina el uso de una paleta con colores tierra, ocres y rojizos
• El barroco fue y es la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos como Perú. 

  Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. y aparecieron arte de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose en esquemas asimétricos. Donde había diferencias de clases, en las representaciones de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. 

  Existen dos etapas del Estilo Barroco, la primera llamada de la plenitud del realismo tuvo entre sus mayores exponentes en España a Velázquez, Zurbarán y José de Ribera llamado el españoleto. 

  La segunda etapa llamada del desarrollo pleno del Barroco donde se ubica en el último tercio del siglo XVII en España y son pinturas de características mayormente italianas, con innovaciones compuestas, dándole un mayor dinamismo con ayuda de las perspectivas arquitectónicas (abre puertas y pasadizos). Entre sus mayores exponentes en españoles distinguimos a Valdés Leal y Murillo. Son obra del primero la serie de la vida de San Ignacio de Loyola ubicado en los lunetos de la nave del evangelio de la Iglesia de San Pedro de Lima mientras que al segundo se le atribuye el San José con el niño del Convento de los Descalzos de Lima. Asimismo, destaca la obra de Bartolomé Román, quien pintó la Serie de Arcángeles de San Pedro de Lima. 

  En el siglo XVIII se seguían produciendo pinturas con estilo barroco en el virreinato, pero no solamente con temas religiosos y de la iglesia. La corte virreinal y la nobleza tuvieron acceso a la pintura a través de los retratos. Estas pinturas tomaron un tema más festivo y pictórico, mucho más profuso que el del siglo anterior.

1. Retrato corporativo. Este aporte del barroco consiste en retratos grupales en los que se inmortaliza a los gremios de profesiones y oficios. Por ejemplo, profesionales médicos, científicos u otros grupos de influencia social.
2. Bodegón. Llamado también naturaleza muerta, representa frutas, comidas preparadas, animales de caza y pesca, utensilios, instrumentos musicales, plantas u otros objetos.
   
     Bodegón con cidras, naranjas y rosa
3. Vanitas. Es una expresión específica del bodegón, centrada en la vanidad de las preocupaciones humanas frente a la fugacidad de la vida. Se distingue visualmente en que incluye elementos que expresan transitoriedad, como velas, pompas de jabón, alimentos en descomposición o calaveras.
   
   Vanitas, naturaleza muerta con calavera, libros y frutas, h. 1630 – Harmen Steenwick
4. Pintura de género. Se trata de la representación de escenas de la vida cotidiana que expresan el color local de los pueblos y sus gentes.
5. Paisaje. Comienza a gestarse en la transición hacia el barroco, en el que logra convertirse en un género autónomo, y no ya al servicio del decorado de otras escenas.

CAPITULO IV: escuela limeña y su aporte en la pintura colonial. 

En Perú se creó un nuevo arte de la pintura para reemplazar el arte inca. Luego, en el siglo XVII, conocido como el Siglo de Oro, llega Angelino Medoro, que continúa la línea del manierismo. Además, hay una gran influencia de la pintura española y de la pintura flamenca, esta última por dos vías, por la llegada de las estampas de Pedro Pablo Rubens, que se repiten una y otra vez, más otras obras de otros. La llegada de los pintores de esta cultura. Se observa un gran contraste entre riqueza y espiritualidad, pues por un lado los ricos, mineros y terratenientes y la pompa de sus ceremonias y celebraciones, como la llegada del Dux, donde se colocan barras de plata en lugar de su carruaje. Por otro lado, detrás de las Piedras se encuentran monjes seráficos y vírgenes penitentes, una espiritualidad que fue producto de los santos en la Lima de la época. El cambio del trono español en el siglo XVIII, el traspaso del rey de Austria al rey Borbón de Francia, atrajo la atención científica y filosófica, y en esta época se produjeron viajes científicos a Estados Unidos, que hicieron que los escritores amaran su patria y crear. conciencia nacional. Por otro lado, con el establecimiento del virreinato de La plata y Nava, el virreinato se dividió. granada. Todo esto condujo al fracaso económico, que se vio agravado por el terremoto de 1746. Siglo en disolución observa influencia francesa en Lima, desdén por el oro; los envíos de empleos estadounidenses a Europa también han aumentado (viceversa). La puntualidad de la presentación de esta escuela es principalmente la presentación de un canon propio: la suma de estilos, restos del manierismo y el barroco aparecen en un mismo cuadro con muebles y colores del siglo XVIII; pinturas por encargo, la mayoría de las cuales, debido a la influencia española, tienen temas religiosos; sus pinturas se basan en aguafuertes y grabados; desprecian el uso del oro, pero hay excepciones, como en el caso de Medoro; al final parece más dependiente de los modelos europeos. Los artistas españoles más influyentes: 

Francisco de Zurbarán 

Juan Carreño de Miranda 

Miguel Gall y Domingo Caro 

Francisco Pacheco 

Leonardo Jaramillo 

Vicente Carduccio 

Bartolomé romano 

Murillo 

Juan Devakdiz Lyle 

Bernabé de Ayala 

CAPITULO V: ESCUELA CUSQUEÑA  

Basílio De Santa Cruz Pumacallao

Basilio de Santa Cruz Pumacallao nació en Cusco, Perú en el año 1635, es considerado miembro de la aristocracia incaica (La nobleza), y su carrera empezó en 1661, cuando los franciscanos del Cusco lo contrataron para que pinte a doce ángeles y doce vírgenes para su Iglesia, obras actualmente perdidas.

En 1662, Santa Cruz fue contratado por la iglesia de la Merced para retratar a “San Laureano mártir” por el mismo benefactor Laureano Polo de Alarcón, donde dicha pintura aparece con el santo decapitado. Para 1667, Basilio ejecuta en el claustro franciscano una serie de pinturas sobre la vida del santo fundador, obra que fue elogiada por el Virrey Conde de Lemos en 1668.

El Santo Laureano mártir decapitado” (1662) por Basilio de Santa Cruz

Durante los años 1670 y 1690, realizo para el crucero del nuevo templo de San Francisco, dos enormes lienzos sobre “San Ignacio de Loyola exorcizando endemoniados” y “Milagros de San Francisco Javier en la India”, eran composiciones homónimas similares a las de Rubens.

San Ignacio de Loyola exorcizando endemoniados” hecha por Basilio de Santa Cruz Pumacallao, ubicada en la catedral del Cusco, Perú 

Su consagración profesional seria en el año 1691, tiempo más tarde es contratado por el obispo Gaspar de Mollinedo para que elabore una serie de lienzos que sería destinados para cubrir ambos lados de la nave transversal de las Iglesia, en el lado izquierdo están colocadas pinturas de gran tamaño como “San Cristóbal” y “San Isidro Labrador”, y en el lado derecho están “La aparición de la Virgen a San Felipe Neri” y “La imposición de la casulla a san Ildefonso”. 

  “San Cristóbal” (1691), hecho por Basilio de Santa Cruz

Las demás pinturas ubicadas en el transepto están dedicadas a las santas mártires y fundadoras de congregaciones religiosas. Debido a su admiración por su trabajo, Santa Cruz en el año 1698 vuelve a pintar dos enormes pinturas para el coro de la Catedral del Cuzco. Dichas pinturas representan a “La Virgen de la Almudena junto a Carlos II y su esposa”, y el otro cuadro representa a “La Virgen de Belén acompañada de Mollinedo en el papel de donante”

“La Virgen de Belén con el obispo Gaspar de Mollinedo como donante” Por Basilio de Santa Cruz en 1698, ubicada en la Catedral de Cusco

Las pinturas de Santa Cruz muestran su gran facilidad de interpretar hechos milagrosos, y alegorías teológicas con carácter triunfalista, donde se destaca su estilo mestizo. Las pinturas Basilio tiene inspiraciones de Rubens y su escuela. Lo cual, permite que el barroquismo cuzqueño hacia su inclinación “ortodoxa” alcance el punto más alto y prestigioso

SUS OBRAS MAS REPRESENTATIVAS:

Procesión del Corpus Cristi” ubicada en la catedral del Cusco

Muerte de Francisco” ubicada en Convento de San Francisco, Perú (1667)

San Lorenzo” Por Basilio de Santa Cruz, ubicado en el Museo Pedro de Osma.

Virgen Inmaculada” Por Basilio de Santa Cruz, ubicado en el Museo de Arte, Lima.

Diego Quispe Tito (1611-1681) XVII 

Diego Quispe Tito, pintor peruano que nació en una familia inca en San Sebastián, Cusco, es considerado una de los principales y más destacados artistas de la escuela cusqueña. 

Posiblemente su gusto por el arte surge cuando en el Virreinato, muchos eran aprendices de artistas españoles y europeos que llegaban al Perú, con el paso del tiempo y teniendo conocimiento de técnicas algunos optaban por tener un taller lo que marcaría un camino independo y un estilo único, que iniciaría la escuela cusqueña. 

Empieza su actividad artística en 1627 teniendo como influencia de Gregorio Gamarra, quien fue discípulo de Bernardo Bitti, uno de los propulsores de la escuela cusqueña, junto a Alessio Pérez y Angelino Medoro. 

En sus primeras obras se nota la presencia de etapas, la influencia del estilo manierista y la influencia del estilo flamenco que se nota por el uso de tablas y la implementación de paisajes que viene de artistas europeos., posteriormente se puede ver lo distingue a Diegos Quispe tito la mezcla del arte flamenco y el arte indígena. 

Su primera obra fue “la inmaculada concepción.” En 1631 “la visión de la cruz” y “la ascensión” en 1634

la visión de la cruz1631

la ascensión 1634

En el templo de San Sebastián es donde se encuentra sus principales obras en las cuales trabajo durante años 1633-1669.

Que son, “la vida de San Juan Bautista, La pasión, Martirio De San Sebastián, la serie Los Doctores de La Iglesia.”

La piedad capilla de san Lorenzo 1643, el artista incluye aquí textos en castellano representan el sentido didáctico y moralista.

Jesús entre los doctores, museo de la casa de la moneda, potosí 1667

Juicio final, convento de san francisco, cusco 1675.

El retorno de Egipto, museo de arte de lima 1780. 

Serie del zodiaco, catedral de cuzco 1681,una obra importante de zodiaco que donde cada lienzo posee componentes del signo astral con escenas del evangelio. 

Obras  

El martirio de san Sebastián 

 

PITULO VI: Los Pintores Anónimos. 

El Maestro la Leyenda de Santa Úrsula es un pintor anónimo activo en Brujas al final del xv ° siglo. 

Su nombre deriva de un políptico representando escenas de la vida de Santa Úrsula pintado para el convento de las Hermanas Negras de Brujas; la ciudad aparece en la parte posterior de una serie de pinturas, en la que el campanario y la torre de la Iglesia de Nuestra Señora.  

En consecuencia, es posible, dadas las etapas de construcción del campanario, determinar que el retablo se pintó en algún momento antes de 1483 o entre 1493 y 1499. Actualmente los paneles están dispersos entre una serie de museos por todo el mundo. 

Maestro de la Leyenda de Santa Úrsula: Escenas de la vida de Santa Úrsula, h. 1485, tabla, cada escena mide 47 × 30 cm, Claustro de las Hermanas Negras de Brujas 

El Maestro del San Francesco Bardi es un pintor anónimo encargado por la familia Bardi para su capilla de la Santa Croce y pintó, entre otros cuadros, el de la vida de San Francisco que allí se encuentra; el busto femenino del Maestro (o medias figuras), a principios del XVI ° siglo esté claramente indicada por el tema 

El Maestro de la Ciudad de las Damas o Maestro de Christine de Pisan es un maestro Pintor anónimo activo en París entre 1400 y 1415. Colaborador de Christine de Pisan en la producción de sus manuscritos, debe su nombre convencional a los manuscritos de La Cité des damas que pinto. 

El artista anónimo recibe así el nombre, por convención, del ciclo de pinturas, realizado hacia 1486, que relatan escenas de la vida y la leyenda de Bruno el Cartujo, fundador de la orden cartuja. Atribuida por primera vez a varios otros pintores 

la obra llegó a ser reconocida como debida a una personalidad artística específica de Rolf Wallrath, y es a él a quien debe su nombre convencional es uno de los pintores de la Escuela de Colonia   

El Maestro de la Leyenda de San Bruno es un pintor anónimo gótica, activa en Colonia a finales del XV ° siglo. Se sabe que pintó un ciclo de pinturas sobre lienzo para la Cartuja de Colonia. 

El Maestro del Retablo Pallant  es el nombre convencional de un Pintor gótico anónimo que, en estilo forma parte de la Escuela de Pintura de Colonia, y está cerca del Maestro de Verónica. Estuvo activo entre 1420 y 1430. Se sabe que entregó, el12 de julio de 1429, un retablo pintado para la iglesia parroquial de   donación del caballero Werner II, señor de Palanter y Breidenbach, miembro de la familia Pallant 

El Meister der Ilsung-Madonna es un pintor anónimo de estilo gótico activo en Augsburgo alrededor de 1475. 

Es designado por el nombre de la convención Meister der Ilsung-Madonna  

(Maestro de la Madonna Ilsung) 

después de su pintura destinada a la basílica Saint-Ulrich-et-Sainte-Afre en Augsburg que lleva el escudo de armas de la familia patricia Ilsung. Es uno de los artistas más importantes del estilo gótico tardío de Augsburgo.

La pintura mural cusqueña (xv-XIX)
Frescos de los Andes ofrece una visión orgánica de algunos de los frescos plásticos más brillantes del continente: españoles, indígenas y mestizos crean en Cuzco un nuevo mundo de valores y formas; Cuzco, centro de un universo perdido, se ha visto reflejado en el arte, las ideas y el trabajo diario de miles de personas. (1260)  

Tadeo Escalante. Pintor Muralista, activo en Cuzco entre 1802 y 1840

Aparentemente provenía de una familia prominente en el pueblo de Acomayo. Su carrera artística comenzó alrededor de 1802 en Huairo, donde decoró completamente los interiores de las iglesias locales. En sus paredes se puede ver un enorme retrato, que incluye varios doctores de la iglesia, papas, santos y otros. Pero lo más interesante está en el barrio de Sotacoro, donde Escalante representa los últimos momentos de la humanidad, y además del gran juicio final, también hay un conjunto de obras alegóricas sobre la muerte en la casa del rico y la muerte en el rico. . los pobres, divididos en gloria, purgatorio e infierno. En el techo hay filas y filas de animales simbólicos representados en aparente inocencia, simbolizando las virtudes o elementos cósmicos. Los frescos de los molinos de Acomayo y de las parroquias de Belém son definitivamente de Escalante. Los temas de Acomayo sobre la creación, la pobreza y los Incas revelan una mentalidad secular alejada de las tradiciones religiosas. Todas estas obras datan de alrededor de 1830, y Escalante forma una fecunda continuidad entre la pintura colonial y los maestros andinos populares de la Primera República.

CONCLUSIONES:

En conclusión, la pintura colonial durante el siglo XVI y XVII era representaba por medio de temáticas religiosas como método de evangelización, debido a las diferentes formas de hablar de las personas y el analfabetismo de esa época. Además, las pinturas tenían influencia de la escuela Italiana que se caracterizaba por el estilo manierista y contra manierista, y el estilo miguelangelesco de Mateo Pérez de Alessio, debido a que en sus pinturas y obras artísticas italianas predominaba las técnicas del fresco y el óleo, y el arte barroco y del Renacimiento. Pero también, tenía influencia de la escuela flamenca que se caracterizaba por el uso de paisajes, y la iluminación del ambiente y del rostro de los personajes para que sean más realistas. El uso de la vegetación y los  animales tenían un enfoque andino, que permitieron el nacimiento de las pinturas mestizas que eran la combinación entre los estilos extranjeros y el nuestro. En la escuela española tuvo mayor importancia durante la época del barroco, especialmente en la escuela sevillana, donde las pinturas se destacaban por tener piezas coloridas y realistas basadas en temáticas religiosas, y donde surgieron las corrientes del tenebrismo y el clasicismo. Además, el estilo de la pintura cambio, se torno más festivo y pictórico, incluyendo temas como; el retrato corporativo, el bodegón, la vanitas, la pintura de género y los paisajes. 

También la pintura colonial tuvo influencia de la escuela cuzqueña que se caracterizaba por su falta de perspectiva, y por el uso de colores como el rojo, el amarillo y los colores tierra, asimismo, utilizaron una gran cantidad de oro en sus obras artísticas, especialmente cuando retrataban a la Virgen María. Aunque los pintores cuzqueña tenían influencias del arte bizantino flamenco y del renacimiento italiano, sus pinturas eran más libres e incluían la flora y la fauna nativa como fondo para sus obras.

REFERENCIAS:

• https://elcomercio.pe/luces/arte/bitti-de-puno-y-letra-investigadora-descubre-la-rubrica-del-artista-italiano-que-en-el-peru-virreinal-nunca-firmo-sus-cuadros-noticia/
• http://estudiosindianos.org/glosario-de-indias/mateo-perez-de-alesio
• file:///C:/Users/HP/Downloads/Dialnet-UnaPinturaIneditaDelItalianoAngelinoMedoro15671633-3821840%20(1).pdf
• https://dbe.rah.es/biografias/54763/basilio-de-santa-cruz-pumacallao
• https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/rubens-pedro-pablo/099c7adf-d261-4e54-8a3b-7807500ca539?searchMeta=pedro%20pablo
• https://prepa.unimatehuala.edu.mx/pluginfile.php/7362/mod_glossary/attachment/637/Jan%20van%20Eyck%20-%20Celine%20Muller.pdf
• https://core.ac.uk/download/pdf/286564703.pdf
• https://webcache.googleusercontent.com/search?q=cache:W1QSqhskq9wJ:https://www.estudioslatinoamericanos.pl/index.php/estudios/article/download/98/62&cd=8&hl=es-419&ct=clnk&gl=p